最初の映画
1880 年代の終わりまでに、長尺のセルロイド写真フィルムの導入と、レンズ 1 つだけを使って一連の画像を素早く撮影できる映画用カメラの発明により、アクションを 1 つのコンパクトなフィルム リールに記録して保存できるようになりました。 。
映画は当初、エレクトロタキスコープ、キネトスコープ、ミュートスコープなどの「のぞき見ショー」装置を使用して一度に 1 人に公開上映されていました。 それから間もなく、出展者は劇場の観客のために大型スクリーンに映画を映写することに成功しました。
入場料を徴収した映画の初の公開上映は 1895 年にアメリカ人のウッドヴィル・レイサムとその息子たちによって行われ、エイドロスコープ社、スクラダノフスキー兄弟、そしておそらくよりよく知られているフランス人のオーギュストとルイ・リュミエール兄弟が制作した映画を使用した。 自身の作品10本を収録。 プライベート上映会はこれらより数か月先行しており、レイサムの上映会は他の上映会よりもわずかに先行していました。
初期の進化
初期の映画は、編集やその他の映画技術を一切使用せず、イベントやアクションを示す単なる 1 つの静止ショットでした。 典型的な映画には、工場の門から出る従業員、通りを歩く人々、街のメインストリートを走行するトロリーの正面からの景色が映っていました。 伝説によると、映画で機関車が高速で観客に近づいてくる場面が映ったとき、観客はパニックになって劇場から逃げ出したという。 20 世紀の変わり目頃、映画はいくつかのシーンをつなぎ合わせてストーリーを語るようになりました。 (最初にいくつかのショットまたはシーンを挿入した映画制作者は、あるショットが別のショットに続くとき、その行為によって、視聴者の心の中で別々のショットの内容間の関係が確立されることを発見しました。この関係こそが、すべての映画のストーリーテリングを可能にするのです。 簡単な例として、窓の外を見ている人が映っている場合、次のショットが何を示していても、それはその人が見ていた景色とみなされます。) 各シーンは単一の静止したショットであり、その前にアクションが発生していました。 その後、シーンはさまざまな距離と角度から撮影された複数のショットに分割されました。 カメラの動きなどの他のテクニックは、映画でストーリーを伝える効果的な方法として開発されました。 1920 年代後半にサウンドフィルムが商業的に実用化されるまで、映画は純粋に視覚芸術でしたが、これらの革新的なサイレント映画は大衆の想像力を定着させました。 映画館の所有者は、観客に映写機の騒音だけを伴奏として残すのではなく、ピアニストやオルガン奏者、あるいは都市部の大きな劇場ではフルオーケストラを雇って、その時々の映画の雰囲気に合う音楽を演奏させました。 1920 年代初頭までに、ほとんどの映画にはこの目的で使用するための楽譜のリストが用意されており、主要な作品のために完全な映画音楽が作曲されました。
ヨーロッパ映画の隆盛は第一次世界大戦の勃発によって中断されたが、米国の映画産業はハリウッドの台頭によって繁栄した。これは最も顕著にD・W・グリフィスの『国家の誕生』（1915年）と 不寛容 (1916)。 しかし、1920年代になると、エイゼンシュタイン、F・W・ムルナウ、フリッツ・ラングなどのヨーロッパの映画製作者は、チャールズ・チャップリンやバスター・キートンなどの貢献とともに、グリフィスを通じた戦時中の映画のめざましい進歩にさまざまな意味で触発され、すぐにアメリカ映画に追いついた。 映画制作を続け、このメディアをさらに進歩させ続けました。
色
フィルムにおける重要な技術的進歩は、手彩色やステンシル彩色などの技術を使用して白黒プリントに手作業で色を加えるのではなく、写真を通じて自然から直接色を取り込む「ナチュラルカラー」の導入でした。 初期のカラープロセスでは、「自然」とは程遠い色が生成されることがよくありました。 無声映画から音声映画への急速な移行とは異なり、白黒からカラーへの置き換えはよりゆっくりと起こりました。
重要な革新は、1932 年にアニメーションで初めて使用されたテクニカラー プロセスの 3 ストリップ バージョンでした。このプロセスは後に実写の短編映画、長編映画の特定のシーケンス、そして最終的には長編映画全体に適用されました。 このプロセスには多額の費用がかかりましたが、興行収入の増加によって証明されるように、一般の人々の肯定的な反応により、追加費用は一般に正当化されました。 その結果、カラー映画の本数は年々徐々に増加していきました。
