音
1920 年代、電子録音技術の発展により、画面上のアクションと同期した音声、音楽、効果音のサウンドトラックを組み込むことが実用化されました。 結果として得られるサウンドフィルムは、当初、「トーキングピクチャー」または「トーキー」と呼ばれることによって、通常のサイレントの「動画」または「映画」と区別されました。 彼らが起こした革命は迅速でした。 1930 年までに、米国では無声映画は事実上絶滅し、すでに「古いメディア」と呼ばれていました。
映画におけるサウンドの進化は、動画と既存の蓄音機サウンド技術を組み合わせるというアイデアから始まりました。 トーマス エジソンのキネトスコープやワーナー ブラザーズが使用したビタフォンなどの初期のサウンド映画システムは、映画における同期サウンドの基礎を築きました。 ベル電話会社とウェスタン・エレクトリックと共同で製造されたバイタフォン・システムは、高価な設備コストのため当初は抵抗に見舞われましたが、映画のサウンドは『ドン・ファン』（1926 年）や『ジャズ・シンガー』（1927 年）などの映画で受け入れられるようになりました。
アメリカの映画スタジオは、ヨーロッパでは Tobis-Klangfilm と Tri-Ergon システムを標準化しました。 この新しいテクノロジーにより、映画の流動性が向上し、『キングコング』（1933 年）のような、より複雑で壮大な映画が誕生しました。
1940 年代から 1950 年代にテレビの脅威が現れると、映画業界は観客を引きつけるための革新を必要としていました。 音響技術の観点から見ると、これはサラウンド サウンドや、シネラマの 7 チャンネル システムなどのより洗練されたオーディオ システムの開発を意味しました。 しかし、これらの進歩には、機器を操作し、劇場での音響体験を維持するために多くの人員が必要でした。
1966 年、ドルビー ラボラトリーズはドルビー A ノイズ リダクション システムを導入しました。これはレコード業界の標準となり、以前の標準化の取り組みに関連したシューという音を排除しました。 その後、革新的なサラウンド サウンド システムであるドルビー ステレオが登場し、映画デザイナーが劇場を設計する際に音響を考慮できるようになりました。 この革新により、小規模な会場の観客も、大規模な都市の劇場の観客と同等のオーディオ体験を楽しむことができるようになりました。
今日、映画におけるサウンドの将来は依然として不確実であり、人工知能、リマスターされたオーディオ、個人的な視聴体験が映画の発展を形作る潜在的な影響を及ぼしています。 しかし、映画におけるサウンドの進化は、継続的な革新と、観客にとってより没入型で魅力的な体験を作りたいという願望によって特徴づけられてきたことは明らかです。
1950年代: テレビの影響力の増大
1950 年代初頭、白黒テレビの普及により、北米の劇場入場者数が深刻に落ち込み始めました。 観客を劇場に呼び戻そうとする試みとして、より大きなスクリーンが設置され、ワイドスクリーンプロセス、偏光 3D プロジェクション、立体音響が導入され、より多くの映画がカラーで製作されましたが、これはすぐに例外ではなく標準となりました。 一部の重要な主流ハリウッド映画は 1960 年代半ばになってもまだ白黒で作られていましたが、それらは時代の終わりを告げました。 カラー テレビ受信機は 1950 年代半ばから米国で入手可能でしたが、当初は非常に高価で、カラーの放送はほとんどありませんでした。 1960 年代になると、価格は徐々に下がり、カラー放送が普及し、販売が急増しました。 色を支持する圧倒的な国民の評決は明らかでした。 10年半ばに白黒映画の最後のラッシュが公開された後、ピーター・ボグダノヴィッチやマーティン・スコセッシなどの「スター」映画製作者の強い要望によってのみ作られた通常の例外を除いて、ハリウッドのスタジオ作品はすべてカラーで撮影された。
1960年代以降
1960 年代のスタジオ システムの衰退後の数十年間で、映画の制作とスタイルに変化が見られました。 さまざまなニュー ウェーブ運動 (フランス ニュー ウェーブ、ニュー ジャーマン 映画の波、インドのニュー ウェーブ、日本のニュー ウェーブ、ニュー ハリウッド、エジプトのニュー ウェーブなど) と映画学校で教育を受けた独立系映画製作者の台頭が、このメディアが経験した変化に貢献しました。 20世紀後半。 デジタル テクノロジーは、1990 年代から 2000 年代にかけて変化の原動力となってきました。 デジタル 3D プロジェクションは、問題が多かった初期の 3D フィルム システムにほぼ取って代わり、2010 年代初頭に普及しました。
