映画の歴史 その9
フィルムアート
アメリカを中心とした映画の発展における一般的な傾向は、映画ストーリーの物語内容を表現するために新しく開発された映画専用の装置を使用し、これを商業演劇ですでに使用されている標準的な劇的な構造と組み合わせる方向でした。 D. W. グリフィスは、映画を通じて観客に劇的な興奮を伝えたため、業界のアメリカ人監督の中で最も高い地位を占めていました。 セシル・B・デミルの『ザ・チート』（1915年）は、グリフィスよりも微妙な方法で登場人物が直面する道徳的ジレンマを浮き彫りにした。 デミルはまた、現代アメリカ人の生活の現実にも詳しく触れていました。 モーリス・トゥルヌールは、彼の映画の絵の美しさとファンタジーの扱いの繊細さでも高く評価されましたが、同時に、『少女の愚行』（1917 年）のように、適切なタイミングで俳優からより自然主義を引き出すことができました。 ）。
シドニー・ドリューは「礼儀正しいコメディ」開発のリーダーでしたが、スラップスティックはマック・セネットのキーストーン会社からスタートしたファッティ・アーバックルとチャールズ・チャップリンによって洗練されました。 彼らはセネットの映画にありがちな熱狂的なペースを減らし、観客に彼らの動きの繊細さと技巧、そしてギャグの巧妙さを鑑賞する機会を与えた。 1917 年までに、チャップリンはさらに劇的なプロットを映画に導入し、コメディーと感情を混ぜ合わせました。
ロシアでは、エフゲニー・バウアーが、象徴主義的な響きと組み合わせたゆっくりとした激しさの演技を、ユニークな方法で映画に取り入れた。
スウェーデンでは、ヴィクトル・ショーストロムが人々の生活の現実と周囲の環境を印象的な方法で組み合わせた一連の映画を制作し、マウリッツ・スティラーは洗練されたコメディを新たなレベルにまで発展させました。
ドイツでは、エルンスト・ルビッチはブルジョワコメディーとスペクタクルの両方のマックス・ラインハルトの舞台作品からインスピレーションを得て、それを自分の映画に応用し、彼の『人形』、『オースタンプリンツェッシン』、そして『マダム』で最高潮に達しました。 デュバリー。
1920年代
ドイツ映画の黄金時代、ハリウッドの勝利
第一次世界大戦が始まると、フランス映画とイタリア映画が世界的に最も人気がありました。 この戦争はヨーロッパの映画産業にとって壊滅的な中断となった。
20 世紀初頭を通じて、スクリーン アーティストはカメラの使い方を学び、ショットの空間と時間を使って幻想を作り出す方法を学び続けました。 この新たに導入された創造性の形式により、1915 年の映画『国家の誕生』で名を馳せたデヴィッド W. グリフィスを含む、全く新しいグループの人々がスターダムに登場する道が開かれました。 1920 年、映画業界には 2 つの大きな変化がありました。それは、音響の導入とスタジオ システムの創設でした。 1920 年代には、独立して活動していた才能ある人々がスタジオに参加し、他の俳優や監督と仕事をするようになりました。 1927 年に『ジャズ シンガー』が公開され、映画業界にサウンドがもたらされました。
この時代を特徴とするドイツ映画は、ドイツ表現主義映画運動の時代を迎えました。 ベルリンはその中心であり、世界最古の大規模映画スタジオである映画スタジオ バベルスベルクがありました。 最初の表現主義映画は、光、影、物体を表現するために壁や床に描かれたデザインとともに、非常に非現実的で幾何学的に不合理な角度のセット デザインを使用することで、贅沢な予算の不足を補っていました。 表現主義映画のプロットやストーリーは、第一次世界大戦の経験によって引き起こされた狂気、狂気、裏切り、その他の「知的」トピックを扱うことがよくありました。『カリガリ博士の内閣』（1920 年）、『ノスフェラトゥ』（1922 年）、『M』（ 1931 年）、彼らが参加していた運動と同様に、映画自体に歴史的な影響を与えました。
『メトロポリス』（1927年）や『月の女』（1929年）などの映画はSF映画のジャンルを部分的に生み出し[93]、ロッテ・ライニガーはアニメーションの先駆者となり、現存する最古の『アクメッド王子の冒険』のような長編アニメーション映画を製作した。 ヨーロッパ製のアニメーション映画。
ナチスが権力を握ると、多くのドイツ人およびドイツを拠点とする監督、俳優、作家などが米国に移住し、ハリウッドと米国の映画産業が他の映画製作国との競争で最後の優位性を得ることができた。
アメリカの産業、または「ハリウッド」は、カリフォルニアに新しい地理的中心ができてから知られるようになり、それ以来多かれ少なかれ、世界向けのフィルム工場としての地位を獲得し、その製品を地球上のほとんどの国に輸出しました。 。
1920 年代までに、米国は現在でも史上最大の映画製作量を誇る時代に達し、年間平均 800 本の長編映画、または世界全体の 82% を製作しました (Eyman、1997)。 ほんの数例を挙げると、チャーリー・チャップリンやバスター・キートンのコメディ、ダグラス・フェアバンクスの冒険活劇、クララ・ボウのロマンスなどにより、これらのパフォーマーの顔はあらゆる大陸でよく知られるようになりました。 古典的な連続編集となる西洋の視覚規範が開発され、輸出されましたが、日本のような芸術や演劇における強い写実主義の伝統のない一部の非西洋諸国ではその採用が遅れました。
この発展は、スタジオ システムとその最大の宣伝方法であるスター システムの成長と同時期のものであり、その後数十年にわたってアメリカ映画を特徴づけ、他の映画産業にモデルを提供しました。 スタジオは製品のすべての段階を効率的にトップダウンで制御することで、新たなレベルの豪華な制作と技術の洗練を可能にしました。 同時に、このシステムの商業的な規制と魅惑的な現実逃避への重点は、ある程度以上の大胆さと野心を阻害し、その典型的な例は、10 代後半から 1920 年代にかけての偶像破壊者エーリッヒ・フォン・シュトロハイムの短いながらも伝説的な監督キャリアであった。
1924 年、サム ゴールドウィン、ルイス B. メイヤー、メトロ ピクチャーズ コーポレーションが MGM を設立しました。
