映画の歴史
新しいテクニック
このとき、太陽光の変化による撮影の影響を受けないようスタジオは停電されました。 これは投光器とスポットライトに置き換えられました。 シーンの始まりと終わりに虹彩が広く採用されるようになったのはこの時期でした。 これは、円形のマスクで撮影されたフィルムの啓示であり、マスクは徐々に大きくなり、フレームを超えて広がります。 垂直開口部や斜め開口部など、他の形状のスリットも使用されました。
静止画から引き継いだ新たな発想が「ソフトフォーカス」。 これは 1915 年に始まり、メアリー・ピックフォード主演のクリケットのファンションのように、表現効果を得るために意図的に焦点を外したショットがいくつかありました。
映画の中で登場人物の主観的な感情を伝えることを目的としたカメラエフェクトが本格的に確立され始めたのもこの時期です。 これらは現在、シドニー・ドリューの『グローブの物語』(1915 年) のように、視点 (POV) ショットとして行うことができます。そこでは、ドアとその鍵穴を手持ちでグラグラと撮影したショットが、酔った男の POV を表しています。 アナモフィック（歪んだ形状の一般的な意味での）画像の使用は、アベル・ガンスが la Folie du Docteur Tube（チューブ博士の狂気）を監督した近年に初めて登場しました。 この映画では、人々のグループに投与された薬物の効果が、遊園地タイプの歪んだ鏡に映るシーンを撮影することによって示唆されました。
従来の文学および芸術の伝統から引き継がれた象徴的な効果は、これらの年の間、引き続き映画にいくらか登場しました。 D. W. グリフィスの『復讐する良心』 (1914 年) では、「邪悪な思考の誕生」というタイトルが、クモを見つめる主人公と、昆虫を食べるアリを見つめる一連の 3 つのショットの前に置かれます。 世紀末の象徴主義的な芸術と文学も、イタリアとロシアで製作された少数の映画に、より一般的な影響を与えました。 情熱と禁断の憧れから生じる死を仰向けで受け入れるのがこの芸術の大きな特徴であり、長時間続くせん妄状態も同様に重要であった。
インサートショット、つまり顔以外の物体のクローズアップの使用は、ブライトン学派によってすでに確立されていましたが、1914 年以前にはほとんど使用されていませんでした。 インサートショットが始まります。 すでに述べた象徴的なインサートに加えて、この映画では、心理的緊張の指標として体のこれらの部分を強調する手段として、手を握りしめたり足をトントンと叩いたりする大きなクローズアップショットが多数使用されました。
大気インサートは 1910 年代後半にヨーロッパで開発されました。 この種のショットは、物語の登場人物がまったく含まれていないシーンの 1 つであり、登場人物の 1 人が見た視点ショットでもありません。 初期の例としては、モーリス・トゥルヌールが監督した『一族の誇り』（1917 年）が挙げられます。この映画では、漁民の過酷な生活を示すために、岩だらけの海岸に打ち寄せる波の一連のショットが含まれています。 モーリス・エルヴィのネルソン。 英国の不滅の海軍英雄の物語 (1919 年) には、皇帝ヴィルヘルム 2 世の写真から孔雀、そして戦艦へと溶けていく象徴的なシーケンスがあります。
1914 年までに、継続映画は商業映画の確立されたモードでした。 高度な連続性テクニックの 1 つは、あるショットから別のショットへの正確かつスムーズな移行を伴うものでした。 シーン内でさまざまな角度にカットすることは、アメリカ映画でシーンをショットに分割するためのテクニックとしても確立されました。 ショットの方向が 90 度以上変わる場合、それを逆角カットと呼びます。 逆角度カットの完全な開発の主導者は、『The Right Girl』や『His Phantom Sweetheart』などの映画に出演したラルフ・インスでした。
この時期にもフラッシュバック構造の使用は発展を続け、フラッシュバックに入る、またはフラッシュバックから出る通常の方法はディゾルブを介することでした。 バイタグラフ社の『ザ・マン・ザット・ハヴ・ビーン』（ウィリアム・J・ハンフリー、1914年）はさらに複雑で、一連の空想とフラッシュバックがあり、主人公の実際の人生経過と、もし息子がそうなっていたらどうなっていたかを対比させている。 死んでいない。
1914 年以降、並行アクション間のクロスカットが使用されるようになりました。ヨーロッパ映画よりもアメリカ映画で多く使用されました。 クロスカットは、新しいコントラスト効果を得るために使用されました。たとえば、セシル・B・デミルの『ささやきの合唱』（1918年）のクロスカット・シーケンスでは、死んだはずの夫がアヘン窟で中国人売春婦と関係を持っています。 同時に、彼の知らない妻が教会で再婚しています。
無声映画の着色もこの時期に人気を博しました。 琥珀色は日中または明るく照らされた夜間を意味し、青色は夜明けまたは薄明かりの夜を意味し、赤色は火災現場を表し、緑色は神秘的な雰囲気を意味し、茶色色（別名セピア調）は通常長編映画に使用されました。 個々のシーンの代わりに。 D.W. グリフィスの画期的な叙事詩『国家の誕生』、1920 年の有名な映画『ジキル博士とハイド氏』、そして同年のロバート ウィーンの叙事詩『カリガリ博士の内閣』は、着色されたサイレント映画の注目すべき例です。 。
1914 年に初めて観客に公開された『創造の写真劇』は、同期したサウンド、動くフィルム、カラー スライドを組み込んだ最初の主要な脚本でした。 1927 年まで、ほとんどの映画は音声なしで制作されていました。 この時期は一般に映画のサイレント時代と呼ばれます。
