映画の歴史 その10
1930年代
音の時代
1927年後半、ワーナーは『ジャズ・シンガー』を公開した。この作品はほとんど無音だったが、一般に長編映画初の同期した会話（と歌）とみなされるものが含まれていた。 しかし、このプロセスは実際には、チャールズ・テイズ・ラッセルによって 1914 年に長編映画『創造のフォトドラマ』で初めて達成されました。 このドラマは、トークや音楽の蓄音機レコードと同期したスライド写真や動画で構成されていました。 Vitaphone などの初期のサウンド オン ディスク プロセスは、すぐに Fox Movietone、DeForest Phonofilm、RCA Photophone などのサウンド オン フィルム プロセスに取って代わられました。 この傾向は、ほとんど消極的だった実業家たちに、「しゃべる絵」、つまり「トーキー」こそが未来であると確信させた。 『ジャズ・シンガー』の成功までに多くの試みが行われ、それは映画音響システムのリストで見ることができます。 そして 1926 年、ワーナー ブラザーズは、音響効果と音楽を同期させた映画『ドン ファン』を公開しました。
その変化は驚くほど速かった。 1929 年末までに、ハリウッドはほぼすべてトーキーになり、いくつかの競合するサウンド システム (間もなく標準化される予定) が存在しました。 世界のその他の地域では、主に経済的理由により、全体の切り替えが若干遅くなりました。 中国や日本のような国では文化的な理由もあり、1930 年代までサイレントとサウンドがうまく共存しており、呉永剛の『女神』（中国、1934 年）のような、それらの国で最も尊敬される古典となる作品が実際に生み出されました。 ）と小津安二郎の『私は生まれましたが...』（日本、1932年）。 しかし日本でも、日本の無声映画の主要な部分を占めていた弁士のような人物が、自身の俳優としてのキャリアが終わりつつあることに気づいた。
サウンドは、多くの国の大手スタジオの支配力をさらに強化しました。移行にかかる巨額の費用が小規模な競合他社を圧倒する一方、サウンドの斬新さは、残ったプロデューサーたちに非常に多くの聴衆を魅了しました。 米国の場合、一部の歴史家は、大恐慌に直面したハリウッドのスタジオシステムをサウンドが救ったと信じています（パーキンソン、1995）。 このようにして、現在「ハリウッドの黄金時代」と呼ばれることが多い時代が始まりました。これは、サウンドの導入から始まり 1940 年代後半までの期間を大まかに指します。 アメリカ映画はこの時期に、効率的に作られた魅力と世界的な魅力の頂点に達しました。 この時代のトップ俳優は現在、クラーク・ゲーブル、キャサリン・ヘプバーン、ハンフリー・ボガート、グレタ・ガルボなどの古典的な映画スター、そして 1930 年代最大の興行収入を誇った子役シャーリー・テンプルと考えられています。
音の創造的な影響
しかし、創造的には急速な移行は困難であり、ある意味で映画は一時的に初期の頃の状態に戻ってしまった。 20 年代後半は、カメラの前でも後ろでもアーティストが初期の音響機器の厳しい制限と、新しいメディアをどのように使用するかについての自身の不確実性と格闘していたので、静的で舞台的なトーキー映画でいっぱいでした。 プロデューサーが対話ベースのストーリーテリングの経験のある人材を求めていたため、多くの舞台出演者、監督、脚本家が映画に紹介されました。 多くの主要なサイレント映画製作者や俳優は適応できず、キャリアが大幅に短縮されたり、終了したりしました。
この気まずい時期はかなり短かった。 1929 年は転換点の年でした。『チャイナタウン ナイト』と『ザ・マン・アイ・ラブ』のウィリアム・ウェルマン、『アプローズ』のルーベン・マムーリアン、『ブラックメイル』（英国初の音響長編）のアルフレッド・ヒッチコックなどが、トーキー映画にさらなる流動性をもたらし、映画の表現力豊かな使用を実験した監督の一人でした。 サウンド (Eyman、1997)。 この点で、両氏はマイクとカメラの技術的進歩、および（撮影時にすべての音声を直接録音するのではなく）音声の編集および同期後の機能の恩恵を受け、さらに推進しました。
サウンド映画は黒人の歴史を強調し、サイレント映画よりもさまざまなジャンルに大きな恩恵をもたらしました。 最も明白なのは、ミュージカル映画が誕生したことです。 最初のクラシックスタイルのハリウッドミュージカルは『ブロードウェイメロディー』（1929年）で、この形式の最初の主要な創作者は振付師兼監督のバスビー・バークレー（42番街、1933年、デイムス、1934年）である。 フランスでは、前衛的な映画監督ルネ・クレールが、『パリの屋根の下』（1930 年）や『ル・ミリオン』（1931 年）などのコメディで歌とダンスを超現実的に利用しました。 ユニバーサル・ピクチャーズは、『ドラキュラ』や『フランケンシュタイン』（どちらも1931年）などのゴシック・ホラー映画の公開を開始した。 1933 年、RKO ピクチャーズはメリアン C. クーパーの古典的な「巨大モンスター」映画『キングコング』を公開しました。 この傾向はインドで最も栄え、インドではインドの伝統的な歌と踊りのドラマの影響により、ミュージカルがほとんどのサウンド映画の基本形式となった (Cook、1990)。 このインドの人気映画は、何十年も西側世界ではほとんど注目されませんでしたが、その後世界で最も多作な映画となりました。 （「ボリウッド」も参照してください。）
この頃、『リトル・シーザー』やウェルマンの『パブリック・エネミー』（どちらも 1931 年）などのアメリカのギャング映画が人気を集めました。 ハリウッドのコメディでは、対話がドタバタ劇よりも優先されるようになりました。たとえば、『フロント・ページ』（1931 年）や『ある夜の出来事』（1934 年）のテンポの速い機知に富んだ冗談、『メイ・ウェスト』（1933 年の『彼女は間違っていた』）の性的な二重目的、あるいは マルクス兄弟のしばしば破壊的でアナーキーなナンセンスな話（アヒルのスープ、1933年）。 それまで短編漫画の仕事に携わっていたウォルト・ディズニーは、1937 年に RKO ピクチャーズから公開された初の英語圏アニメーション『白雪姫と七人の小人』で長編映画に足を踏み入れました。1939 年は、アメリカ映画にとって重要な年でした。 『オズの魔法使い』や『風と共に去りぬ』などの映画に出演。
