2024-03-26

25の日記

映画撮影パート 9
カメラの動き
映画撮影では、動く被写体を描写するだけでなく、撮影中に移動する観客の視点や視点を表すカメラを使用することもできます。この動きは、映画画像の感情的な言語と、そのアクションに対する観客の感情的な反応において、重要な役割を果たします。テクニックは、パン (頭を左右に回すなど、固定位置から視点を水平に移動すること) やチルト (固定位置から視点を垂直に移動すること。頭を後ろに傾けて見るなど) の最も基本的な動きにまで及びます。空または下に移動して地面を見る）、ドリー（カメラを移動プラットフォーム上に置いて被写体に近づけたり遠ざけたりする）、トラッキング（カメラを移動プラットフォーム上に置いて左右に移動する）、クレーン (カメラを垂直位置で移動すること、地面から持ち上げることができること、および固定ベース位置から左右にスイングすることができること)、および上記の組み合わせ。初期の映画監督は、動きの要素が原因で、他のグラフィックアーティストには見られない問題に直面することがよくありました。

カメラは、考えられるほぼすべての交通手段に取り付けられています。ほとんどのカメラは手持ち式にすることもできます。つまり、アクションを撮影しながらある位置から別の位置に移動するカメラマンの手に持たれます。個人用安定化プラットフォームは、ギャレットブラウンの発明によって 1970 年代後半に誕生し、ステディカムとして知られるようになりました。ステディカムは、カメラに接続するボディハーネスおよび安定化アームであり、オペレータの体の動きからカメラを隔離しながらカメラをサポートします。 1990 年代初頭にステディカムの特許が期限切れになった後、他の多くの企業がパーソナルカメラスタビライザーのコンセプトを製造し始めました。この発明は、今日の映画界全体ではるかに一般的です。長編映画から夕方のニュースまで、ますます多くのネットワークが個人用カメラスタビライザーを使用し始めています。

特殊効果
映画における最初の特殊効果は、映画の撮影中に作成されました。これらは「カメラ内」エフェクトとして知られるようになりました。その後、編集者や視覚効果アーティストがポストプロダクションでフィルムを操作することでプロセスをより厳密に制御できるように、光学効果とデジタル効果が開発されました。

1896 年の映画『メアリー・スチュアートの処刑』では、女王に扮した俳優が、エリザベス朝の衣装を着た数人の傍観者の前で処刑台に頭を置く場面が描かれています。死刑執行人が斧を振り下ろすと、女王の生首が地面に落ちました。このトリックは、カメラを停止して俳優をダミーに置き換え、斧が落ちる前にカメラを再起動することで成功しました。次に、2 枚のフィルムをトリミングして貼り合わせ、映画が上映されるときにアクションが連続して見えるようにし、全体的な錯覚を作り出し、特殊効果の基礎を築くことに成功しました。

この映画は、1895 年に最初のキネトスコープ機械とともにヨーロッパに輸出された映画の 1 つであり、当時パリのロベールウーダン劇場でマジックショーを行っていたジョルジュメリエスも鑑賞しました。彼は 1896 年に映画製作を始め、エジソン、リュミエール、ロバートポールの他の映画を模倣した後、『Escamotage d'un dame chez Robert- Houdin (The Vanishing Lady)』を制作しました。この映画では、以前のエジソン映画と同じストップモーション技術を使用して女性が消滅する様子が描かれています。この後、ジョルジュ・メリエスは、数年間にわたってこのトリックを使用して多くの単発映画を制作しました。

二重曝露
トリック映画撮影のもう 1 つの基本的なテクニックには、カメラ内のフィルムの二重露光が含まれます。これは、1898 年 7 月に英国でジョージアルバートスミスによって初めて行われました。スミスの『コルシカの兄弟』（1898）は、1900 年にスミスの映画の配給を担当したワーウィック貿易会社のカタログに次のように記載されています。

「双子の兄弟の1人がコルシカ島の山中での銃撃から帰宅すると、もう1人の双子の幽霊が訪ねてくる。非常に注意して写真を撮ると、その幽霊は*非常に透明*に見える。その後、剣で刺されて死亡したことが示された」復讐を訴え、彼は姿を消す。その後、雪の中での決闘の様子を示す「ビジョン」が現れる。コルシカ島人が驚いたことに、そのビジョンには決闘と弟の死が鮮明に描かれ、感情に打ちのめされて倒れる。彼の母親が部屋に入ってきた瞬間に床に倒れました。」

ゴースト効果は、主要なアクションの撮影後にセットを黒いベルベットで覆い、その後、ゴーストを演じる俳優が適切な部分でアクションを実行する状態でネガを再露光することによって行われました。同様に、円形のビネットまたはマット内に表示されるビジョンは、詳細が含まれるセットの一部ではなく、シーンの背景の黒い領域に同様に重ね合わされ、画像を通して何も表示されないようにしました。かなりしっかりしているように見えました。スミスはこのテクニックを「サンタクロース」(1898) で再び使用しました。

ジョルジュ・メリエスは、数か月後の 1898 年に制作された「La Caverne maudite (悪魔の洞窟)」で暗い背景に重ね合わせを初めて使用し、「Un Homme de têtes (The Four Troublesome Heads)」のワンショットでは多くの重ね合わせを使用して精緻に仕上げました。。彼はその後の映画でさらなるバリエーションを生み出しました。

2024-03-25

2024/03/24の日記

映画撮影パート 8
アスペクト比とフレーミング
画像のアスペクト比は、画像の幅と高さの比率です。これは、4:3 などの 2 つの整数の比率として、または 1.33:1 または単に 1.33 などの 10 進形式で表すことができます。比率が異なると、異なる美的効果が得られます。アスペクト比の基準は時間の経過とともに大きく変化してきました。

サイレント時代には、アスペクト比は正方形の 1:1 から、極端なワイドスクリーンの 4:1 ポリビジョンまで、幅広く変化していました。しかし、1910 年代以降、サイレント映画は一般的に 4:3 (1.33) の比率に落ち着きました。サウンド・オン・フィルムの導入により、サウンドストライプの余地を与えるためにアスペクト比が一時的に狭まりました。 1932年には、フレームラインを太くすることにより、アカデミー倍率1.37という新しい基準が導入されました。

長年、主流の映画監督はアカデミー比率の使用に限定されていましたが、1950 年代にはシネラマの人気のおかげで、観客を家庭のテレビから劇場に引き戻すためにワイドスクリーン比率が導入されました。これらの新しいワイドスクリーン形式は、撮影監督に画像を構成するためのより広いフレームを提供しました。

ワイドスクリーン映画を作成するために、1950 年代にさまざまな独自の写真システムが発明され、使用されましたが、フィルムの 1 つが支配的でした。それは、画像を光学的に圧縮して水平領域の 2 倍を標準の「球面」レンズと同じ垂直サイズに撮影するアナモフィックプロセスです。最初に一般的に使用されたアナモフィックフォーマットはシネマスコープで、元々は 2.55 でしたが、2.35 のアスペクト比を使用しました。 CinemaScope は 1953 年から 1967 年まで使用されましたが、設計上の技術的な欠陥と Fox による所有権のため、1950 年代の Panavision の技術改良に率いられたいくつかのサードパーティ企業がアナモフィックシネレンズ市場を独占しました。 SMPTE 投影規格の変更により、1970 年に投影比が 2.35 から 2.39 に変更されましたが、写真アナモルフィック規格に関しては何も変わりませんでした。アナモルフィック 35 mm 写真のアスペクト比に関するすべての変更は、光学システムではなく、カメラまたはプロジェクターのゲートサイズに固有です。 1950 年代の「ワイドスクリーン戦争」の後、映画業界は米国と英国の劇場上映の標準として 1.85 に落ち着きました。これは 1.37 のトリミングされたバージョンです。ヨーロッパとアジアは当初 1.66 を選択しましたが、ここ数十年でこれらの市場には 1.85 がほぼ浸透しました。特定の「壮大な」映画やアドベンチャー映画では、アナモルフィック 2.39 (誤って「2.40」と表記されることがよくあります) が使用されていました。

1990 年代、高解像度ビデオの出現により、従来のブラウン管テレビを製造するのは現実的ではなかったため、テレビ技術者は劇場標準の 1.85 とテレビの 1.33 の間の数学的妥協点として 1.78 (16:9) の比率を作成しました。幅は1.85です。その変更が行われるまで、1.78 で生み出されたものは何もありませんでした。現在、これは高解像度ビデオとワイドスクリーンテレビの標準となっています。

点灯
フィルムのフレームまたはデジタルターゲット (CCD など) 上に画像露光を作成するには、光が必要です。しかし、映画撮影のための照明の技術は、基本的な露出をはるかに超えて、視覚的なストーリーテリングの本質にまで及びます。照明は、映画を観ている観客の感情的な反応に大きく貢献します。フィルターの使用量が増えると、最終的な画像に大きな影響を与え、照明に影響を与える可能性があります。

映画における照明の重要性映画における照明は、視認性、構成、雰囲気という 3 つの主な理由から不可欠です。まず、照明によって被写体やシーンが適切に照らされ、視聴者が細部を認識して物語を理解できるようになります。視聴者の注意をフレーム内の特定の要素に誘導し、重要なキャラクターやオブジェクトを強調表示するのに役立ちます。次に、照明はショットの構成に影響します。映画製作者は、フレーム内にバランス、奥行き、視覚的な興味を生み出すために、ライトを戦略的に配置します。これにより、シーン内の視覚要素を制御して、特定の領域を強調し、他の領域を強調しないようにすることができます。最後に、照明は映画の雰囲気と雰囲気に大きな影響を与えます。光の強さ、色、方向を操作することで、映画制作者はさまざまな感情を呼び起こし、物語を強化することができます。明るく均一な照明は安全感や幸福感を呼び起こす可能性がありますが、影のある控えめな照明は緊張、謎、恐怖を引き起こす可能性があります。照明スタイルの選択は、フィルムノワールで一般的に使用されるハイコントラスト照明など、映画のジャンルを反映することもあります。

照明技術

映画製作では、望ましい効果を達成するために数多くの照明技術が使用されています。一般的に使用されるテクニックをいくつか紹介します。 3 点ライティング: この古典的なテクニックには、キーライト、フィルライト、バックライトの 3 つのライトが使用されます。キーライトは主要な光源として機能し、被写体を片側から照らして奥行きと立体感を生み出します。補助光はキーライトによって生じる影を軽減し、全体の照明を柔らかくします。バックライトは被写体を背景から分離し、ハロー効果をもたらし、奥行き感を高めます。ハイキーライティング: ハイキーライティングは明るく均一に照明されたシーンを生成し、コメディや軽快な映画でよく使用されます。影を最小限に抑え、明るく明るい雰囲気を作り出します。ローキーライティング: ローキーライティングでは、単一のキーライトまたは戦略的に配置されたいくつかのライトを使用して、強いコントラストと深い影を作成します。この手法は、フィルムノワールやホラーのジャンルで、サスペンス、ミステリー、または恐怖を呼び起こすためによく使用されます。

自然光:

映画制作者は、本物のリアルな外観を作成するために自然光を使用することがあります。この技術では、追加の人工照明を使用せずに、太陽光や実用的なランプなどの既存の光源を利用します。自然主義的な美学を目的とした屋外シーンや映画でよく見られます。カラー照明: カラーライトやジェルを使用すると、シーンの雰囲気や雰囲気を劇的に変えることができます。異なる色は異なる感情を呼び起こし、ストーリーテリングを強化します。たとえば、赤やオレンジのような暖かい色調は暖かさや情熱の感覚を生み出す可能性があり、一方、青のような冷たい色調は悲しみや孤独を表現する可能性があります。

2024-03-23

2024/03/23の日記

映画撮影パート 7
レンズ
レンズをカメラに取り付けて、焦点や色などによって特定の外観、感触、または効果を与えることができます。人間の目と同様に、カメラは世界の他の部分との遠近感や空間的関係を作成します。ただし、人間の目とは異なり、映画撮影者はさまざまな目的に応じてさまざまなレンズを選択できます。焦点距離の変化は主な利点の 1 つです。レンズの焦点距離によって画角が決まり、したがって視野が決まります。撮影監督は、広角レンズ、「標準」レンズ、長焦点レンズだけでなく、マクロレンズやボアスコープレンズなどのその他の特殊効果レンズシステムからも選択できます。広角レンズは焦点距離が短く、空間距離がより明確になります。遠くにいる人ははるかに小さく表示されますが、前にいる人は大きく見えます。一方、長焦点レンズはそのような誇張を軽減し、遠くにある物体を一見近くにあるように描写し、遠近感を平坦にします。遠近法レンダリングの違いは、実際には焦点距離そのものによるものではなく、被写体とカメラとの距離によるものです。したがって、異なる焦点距離を異なるカメラと被写体の距離と組み合わせて使用すると、これらの異なるレンダリングが作成されます。同じカメラ位置を維持したまま焦点距離のみを変更すると、遠近感には影響せず、カメラの画角のみに影響します。

ズームレンズを使用すると、カメラオペレーターはショット内で焦点距離を変更したり、ショットのセットアップ間ですばやく焦点距離を変更したりできます。単焦点レンズはズームレンズよりも優れた光学品質を提供し、「高速」（開口部が大きく、少ない光でも使用できる）ため、プロの映画撮影ではズームレンズよりもよく使用されます。ただし、特定のシーンや映画制作の種類によっては、速度や使いやすさのためにズームの使用が必要な場合や、ズーム移動を伴うショットが必要になる場合があります。

他の写真と同様に、露光された画像の制御は、絞りの開口部の制御によってレンズ内で行われます。適切に選択するには、撮影監督はすべてのレンズに F ストップではなく T ストップを刻印する必要があります。これにより、通常のメーターを使用して設定するときにガラスによる最終的な光の損失が露出制御に影響を与えなくなります。絞りの選択は、画質 (収差) と被写界深度にも影響します。

被写界深度とピントの深さ
焦点距離と絞りの開口部は、シーンの被写界深度に影響します。つまり、背景、中間景、および前景がどの程度「許容可能な焦点」でレンダリングされるか (画像の 1 つの正確な平面のみが正確に焦点を合わせています)、映画またはビデオのターゲット。被写界深度（焦点深度と混同しないでください）は、絞りサイズと焦点距離によって決まります。非常に小さな絞り絞りで遠くの点に焦点を合わせると、広いまたは深い被写界深度が生成されますが、大きな (開いた) アイリス絞りとレンズに近い焦点で焦点を合わせると浅い被写界深度が得られます。被写界深度はフォーマットサイズによっても左右されます。画角と画角を考慮すると、同じ画角を保つためには画像が小さいほど焦点距離を短くする必要があります。そして、同じ視野であれば、画像が小さいほど被写界深度はより深くなります。したがって、特定の視野において、70mm は 35mm よりも被写界深度が浅く、16mm は 35mm よりも深く、初期のビデオカメラや最新の民生用ビデオカメラのほとんどでは、16mm よりもさらに被写界深度が深くなります。

『市民ケーン』（1941 年）では、撮影監督のグレッグ・トーランドと監督のオーソン・ウェルズは、セットの前景と背景の細部まで鮮明に焦点を合わせるために、より狭い絞りを使用しました。この方法はディープフォーカスとして知られています。ディープフォーカスは、1940 年代以降、ハリウッドで人気のある映画撮影装置になりました。今日の傾向は、より浅く焦点を絞ることです。ショット内で 1 つのオブジェクトまたはキャラクターから別のオブジェクトまたはキャラクターに焦点面を変更することは、一般にラックフォーカスとして知られています。

デジタル映画撮影への移行初期、デジタルビデオカメラはイメージセンサーが小さいため、浅い被写界深度を簡単に達成できないことが、当初は 35mm フィルムの外観をエミュレートしようとする映画制作者にとってのフラストレーションの問題でした。被写界深度を維持しながら、より大きなフォーマットのサイズで画像を投影するより大きなフォーマットのレンズを取り付けることでこれを達成する光学アダプターが考案されました。次に、アダプターとレンズを小型フォーマットのビデオカメラに取り付け、すりガラススクリーンに焦点を合わせます。

デジタル一眼レフカメラは、35mm フィルムのフレームと同様のセンサーサイズを備えているため、同様の被写界深度の画像を生成できます。これらのカメラのビデオ機能の出現は、デジタルシネマトグラフィーに革命を引き起こし、フィルムのような画像の品質のため、ますます多くの映画製作者がその目的のためにスチルカメラを採用しました。最近では、35mm フィルムのような被写界深度を実現できる、より大きなセンサーを搭載した専用ビデオカメラが増えています。

2024-03-22

2024/03/22の日記

映画撮影パート 6
イメージセンサーとフィルムストック
映画撮影は、デジタルイメージセンサーまたはフィルムロールから始めることができます。フィルム乳剤と粒子構造の進歩により、利用可能なフィルムストックの範囲が広がりました。フィルム素材の選択は、一般的な映画制作の準備において最初に行われる決定の 1 つです。

8 mm (アマチュア)、16 mm (セミプロ)、35 mm (プロ)、65 mm (特別なイベント会場を除いてめったに使用されない壮大な写真) というフィルムゲージの選択とは別に、撮影監督はフィルムゲージの選択を行っています。リバーサル（現像するとポジ画像が作成される）とネガフォーマット、および ISO 50（低速、光に対する感度が最も低い）から 800（非常に高速、光に対する感度が非常に高い）までの幅広いフィルム感度（光に対する感度の変化））、色（低彩度、高彩度）とコントラスト（純粋な黒（露出なし）と純粋な白（完全な露出オーバー）の間のさまざまなレベルに対する反応の違い。フィルムのほぼすべてのゲージの進歩と調整により、「スーパー」フォーマットが作成されます。フィルムの物理的なゲージは同じままですが、画像の 1 フレームをキャプチャするために使用されるフィルムの領域が拡大されています。スーパー 8 mm、スーパー 16 mm、およびスーパー 35 mm はすべて、画像のためにフィルム全体の領域をより多く使用します。「通常の」スーパーではないものよりも。フィルムゲージが大きいほど、全体的な画像解像度の明瞭さと技術的品質が高くなります。フィルムラボがフィルムストックを処理するために使用する技術によっても、生成される画像にかなりのばらつきが生じる可能性があります。温度を制御し、フィルムを現像薬品に浸す時間を変更し、特定の化学プロセスをスキップする（またはすべてのプロセスを部分的にスキップする）ことによって、撮影監督は研究室にある 1 つのフィルムストックとは大きく異なる外観を実現できます。使用できるテクニックには、プッシュ処理、ブリーチバイパス、クロス処理などがあります。

現代の映画のほとんどはデジタルシネマトグラフィーを使用しており、フィルムストックはありませんが、カメラ自体は、特定のフィルムストックの能力をはるかに超える方法で調整できます。さまざまな程度の色感度、画像コントラスト、光感度などを提供できます。 1 台のカメラで、さまざまな乳剤のさまざまな外観をすべて実現できます。 ISO やコントラストなどのデジタル画像調整は、実際のフィルムが使用されている場合に行われるのと同じ調整を推定することによって実行されるため、さまざまなフィルムストックや画像調整パラメータに対するカメラのセンサー設計者の認識の影響を受けやすくなります。

フィルター
拡散フィルターやカラー効果フィルターなどのフィルターも、雰囲気や劇的な効果を高めるために広く使用されています。ほとんどの写真フィルターは、2 枚の光学ガラスを貼り合わせて構成されており、ガラスの間に何らかの画像または光操作材料が含まれています。カラーフィルターの場合、多くの場合、半透明のカラー媒体が 2 つの光学ガラス平面の間に挟まれています。カラーフィルターは、特定の色の波長の光がフィルムに到達するのを遮断することで機能します。カラーフィルムの場合、これは非常に直感的に機能し、青いフィルターが赤、オレンジ、黄色の光の通過を遮断し、フィルム上に青みを生み出します。白黒写真では、カラーフィルターは直感に反して使用されます。たとえば、光の青色の波長をカットする黄色のフィルターを使用すると、ほとんどの人間の肌の色調を偏らせることなく、日光の空を暗くすることができます（フィルムに当たる青色光を排除し、ほとんどの青空を大幅に露出不足にすることによって）。フィルターは、レンズの前で使用することも、場合によってはレンズの後ろで使用して、さまざまな効果を得ることができます。

クリストファー・ドイルなどの特定の映画監督は、フィルターの革新的な使用法でよく知られています。ドイルは映画におけるフィルターの使用を増やした先駆者であり、映画界全体で高く評価されています。

2024-03-21

2024/03/21の日記

映画撮影パート 5
映画に影響を与える映画の側面
ショット内の雰囲気、感情、物語、その他の要素を伝えるために、映画撮影はフィルム内のさまざまな側面を使用して実装されます。シーンの照明は、シーンや映画の雰囲気に影響を与えることがあります。自然光が少ない暗いショットは、暗く、怖く、悲しく、強烈なものになる可能性があります。照明が明るいと、より幸せで、刺激的で、よりポジティブな気分になります。カメラの角度は、視点を設定することによってシーンに影響を与えることができます。登場人物や観客が何かをどのように、どのような角度から見ているかを伝えます。カメラアングルも、クローズアップの詳細や背景設定を強調することで重要な役割を果たします。クローズアップの角度では人物の顔の細部を強調できますが、より広いレンズではショットの背景で起こっている重要な情報を得ることができます。カメラの距離によって、フィルム撮影にとって重要な特定の詳細が強調表示されることがあります。非常に遠くから見ると、人々のグループはすべて同じに見えますが、非常に近くにズームインすると、顔の表情やボディーランゲージなどの詳細を通じて、集団内の違いがわかるようになります。カラーリングは、ショット全体の雰囲気や感情を設定する上で重要な役割を果たすという点で、照明に似ています。緑のような色は、自然の風景を通してバランスと平和を伝えることができます。赤を多用したショットは、怒り、激しさ、情熱、愛を表現できます。これらの感情の中には、色を見ているときに意図的に出てこないものもありますが、映画撮影における色が大きな影響を与える可能性があることは潜在意識の事実です。スピードは映画撮影において重要な要素であり、アクションの作成や動きの感覚など、さまざまな方法で使用できます。スピードはさらに、時間を遅らせたり、重要な瞬間を強調したり、映画にサスペンス感を醸し出すためにも利用できます。スローモーションは、より高いフレームレートで撮影し、その映像を通常の速度で再度再生するテクニックです。これにより、映画にスロー効果が生まれ、シーンを強調したり、シーンに流動性を加えたりすることができます。一方、ファストモーションはスローモーションの逆で、低いフレームレートで撮影し、通常の速度でフィルムを再生します。これにより、時間の経過を強調したり、緊迫感を生み出したりするスピードアップ効果が生まれます。タイムラプスとは、長期間にわたって一定の間隔で一連の静止写真を撮影することです。ここから連続して再生すると倍速効果が現れます。タイムラプスは、日の出、自然な動き、成長などを示すのに最も効果的に使用されます。これらは通常、時間の経過を短いシーケンスで示すために使用されます。リバースモーションとは、通常通りにシーンを撮影し、その後フィルムを逆再生することです。これは通常、珍しい/超現実的な効果を作成したり、珍しいシーンを作成したりするために使用されます。スピードに関するさまざまなテクニックはすべて、映画に激しさや雰囲気を加え、時間の経過を示したり、その他多くの効果をもたらします。フィルム内のカメラの動きは、フィルムの視覚的な品質とインパクトを高める役割を果たします。これに寄与するカメラの動きのいくつかの側面は次のとおりです。

ズーム: この動きには、レンズの焦点距離を変更して被写体を近づけたり、遠くに見せたりすることが含まれます。被写体との親近感や距離感を演出するのに使えます。
チルト: カメラを固定位置から垂直に回転させます。被写体の高さを示したり、シーン内の特定の要素を強調したりするために使用できます。
パン: カメラを固定位置から水平に回転させます。動く被写体を追いかけたり、シーンの広い視野を表示したりするのに使用できます。
ペデスタル/ブーミング/ジビング: カメラ全体を垂直方向に移動します。これは、フレーム内の被写体に対する垂直方向の動きを示すために使用できます。
トラック輸送: カメラ全体を水平に移動します。これは、フレーム内の被写体に対する水平方向の動きを示すために使用できます。
ローリング：カメラ全体を水平方向に回転させること。

2024-03-19

2024/03/18の日記

映画撮影パート 4
側面
次のような多くの側面が映画撮影の芸術に貢献しています。
映画のテクニック
最初のフィルムカメラは、当時のスチルカメラの三脚雲台と同様に、最も粗末な水平調整装置のみを備え、三脚またはその他の支持体の雲台に直接固定されていました。このように、初期のフィルムカメラは撮影中に事実上固定されていたため、最初のカメラの動きは移動する車両にカメラを取り付けた結果でした。最初に知られているのは、1896 年にエルサレムを発車した列車の後部ホームからリュミエールのカメラマンが撮影したフィルムで、1898 年までに走行中の列車から撮影されたフィルムが数多く存在しました。当時の販売カタログでは「パノラマ」という一般的な見出しの下に掲載されていましたが、鉄道エンジンの前から直接撮影されたこれらのフィルムは通常、特に「ファントムライド」と呼ばれていました。

1897 年、ロバート W. ポールは、ビクトリア女王のダイヤモンドジュビリーの行列を途切れることなく 1 枚のショットで追跡できるように、三脚に取り付けるための最初の本物の回転カメラヘッドを製作しました。この装置は垂直軸にカメラが取り付けられており、クランクハンドルを回すことで駆動するウォームギアで回転させることができ、ポールは翌年に一般販売を開始した。このような「パン」ヘッドを使用して撮影されたショットは、映画の最初の 10 年間の映画カタログでは「パノラマ」とも呼ばれていました。これは最終的にパノラマ写真の作成にもつながりました。

初期の映画スタジオの標準的なパターンは、ジョルジュメリエスが 1897 年に建てたスタジオによって提供されました。これには、スチール写真用の大きなスタジオをモデルにして建設されたガラスの屋根と 3 つのガラスの壁があり、薄い綿の布が取り付けられていました。晴れた日の直射日光を拡散するために屋根の下に張られます。この配置によって生み出された実際の影のない柔らかい全体的な光は、薄曇りの日にも自然に存在し、その後 10 年間、映画スタジオにおける映画照明の基礎となりました。

白黒映画撮影は、画像が撮影され、色のないグレーの階調で表示される映画製作で使用される技術です。この芸術的アプローチには豊かな歴史があり、映画の進化を通じてさまざまな映画で採用されてきました。これは、映画制作者がコントラスト、テクスチャー、照明を強調し、視覚的なストーリーテリング体験を強化できる強力なツールです。白黒映画撮影の使用は、カラーフィルムがまだ利用できなかった映画の初期に遡ります。映画製作者はこの技術を利用して、視覚的に印象的で雰囲気のある映画を作成しました。カラーフィルム技術の出現にもかかわらず、白黒映画撮影は芸術的および主題的な目的で利用され続けました。 Ken Dancyger の著書『映画とビデオ編集の技術: 歴史、理論、実践』は、白黒映画撮影の歴史的および理論的側面についての貴重な洞察を提供します。ダンサイガーは、この手法が映画の歴史の中でどのように使われてきたかを探り、ストーリーテリング、雰囲気、視覚的な美学への影響を検証します。この本では、魅力的な白黒画像の作成に関わる芸術的な選択と技術的な考慮事項を詳しく掘り下げ、その技術についての包括的な理解を提供します。

白黒映画撮影により、映画制作者は光と影の相互作用に集中し、シーン内のさまざまな要素間のコントラストを強調することができます。このテクニックは、ノスタルジックな感覚を呼び起こしたり、特定の時代を思い出させたり、時代を超越したクラシックな雰囲気を作り出したりすることができます。色を取り除くことで、映画製作者はフレーム内の構成、形状、テクスチャを強調し、視覚的なインパクトを高めることができます。白黒映画撮影を採用した注目すべき映画には、「カサブランカ」 (1942 年)、「レイジングブル」 (1980 年)、「シンドラーのリスト」 (1993 年) などの古典があり、これらの映画は、白黒映画撮影の力と多用途性を示しています。白黒映画撮影は、現代の映画制作に関連し、広く使用されている技術であり、特定の雰囲気を呼び起こし、時代を超越した感覚を伝え、ストーリーの芸術的表現を高めるために映画制作者によって使用され続けています。

映画撮影には多くの種類があり、それぞれ制作目的やプロセスに応じて異なります。これらのさまざまなタイプの映画撮影は、特定の感情、気分、感覚を伝えるという目的を持っているという点で似ています。ただし、それぞれのスタイルが異なると、異なる感情や目的を伝えることができます。さまざまな種類の映画撮影の例として、リアリズムとして知られるものがあります。このスタイルの映画撮影は、自然光、手持ちカメラ、ドキュメンタリーのような撮影アプローチをよく使用して、現実的な世界の描写を作成することを目的としています。クラシックハリウッドは、魅力的なセット、明るい照明、ロマンチックな物語を備えた、高度に洗練されたスタジオ制作の映画を使用することを特徴とする映画撮影のスタイルです。フィルムノワールは、はっきりとしたコントラストと明暗法的な照明、控えめな照明、暗く陰気な雰囲気を使用することを特徴とする映画撮影のスタイルです。犯罪、ミステリー、道徳的に曖昧な登場人物が登場することが多いです。

2024-03-17

2024/03/16の日記

映画撮影パート 3
色
映画の出現後、自然色の写真の制作に多大なエネルギーが投資されました。トーキングピクチャーの発明により、カラー写真の使用の需要がさらに高まりました。しかし、当時の他の技術の進歩と比較すると、カラー写真の登場は比較的遅いプロセスでした。

初期の映画はモノクロで撮影され、その後手彩色または機械彩色されたため、実際にはカラー映画ではありませんでした（このような映画はカラーではなくカラーと呼ばれます）。そのような最も初期の例は、1895 年にエジソンマニュファクチャリングカンパニーによって手染めされたアナベルサーペンタインダンスです。その後、機械ベースの着色が普及しました。着色は、1910 年代に自然カラー映画撮影が登場するまで続けられました。最近、多くの白黒映画がデジタル着色を使用してカラー化されています。これには、世界大戦、スポーツイベント、政治プロパガンダの両方で撮影された映像が含まれます。

1902 年、エドワードレイモンドターナーは、カラー化技術を使用するのではなく、自然なカラー処理を使用して最初の映画を制作しました。 1909 年にキネマカラーが初めて一般公開されました。

1917 年に、テクニカラーの最初のバージョンが導入されました。コダクロームは 1935 年に導入されました。イーストマンカラーは 1950 年に導入され、その後 20 世紀のカラー標準となりました。

2010 年代には、カラーフィルムはカラーデジタルシネマトグラフィーに大きく取って代わられました。

デジタルビデオ
デジタル映画撮影では、映画はフラッシュストレージなどのデジタルメディアで撮影されるだけでなく、ハードドライブなどのデジタルメディアを通じて配信されます。

デジタルカメラの基礎は金属酸化膜半導体 (MOS) イメージセンサーです。最初の実用的な半導体イメージセンサーは、MOS キャパシタ技術に基づいた電荷結合素子 (CCD) でした。 1970 年代後半から 1980 年代前半にかけて CCD センサーが商業化された後、エンターテインメント業界は、その後 20 年間にわたってデジタルイメージングおよびデジタルビデオへゆっくりと移行し始めました。 CCD に続いて、1990 年代に開発された CMOS アクティブピクセルセンサー (CMOS センサー) が登場しました。

1980 年代後半から、ソニーはアナログ Sony HDVS プロフェッショナルビデオカメラを利用して、「電子シネマトグラフィー」のコンセプトをマーケティングし始めました。この努力はほとんど成功しませんでした。しかし、これが最も初期のデジタル撮影された長編映画の 1 つである『ジュリアとジュリア』 (1987 年) につながりました。 1998 年に、CCD テクノロジーに基づく HDCAM レコーダーと 1920 × 1080 ピクセルのデジタル業務用ビデオカメラが登場すると、このアイデアは現在「デジタルシネマトグラフィー」とブランド名を変更され、注目を集め始めました。

1998 年に撮影、公開された『The Last Broadcast』は、すべて消費者レベルのデジタル機器で撮影、編集された初の長編ビデオであると一部の人は信じています。 1999 年 5 月、ジョージルーカスは、『スター・ウォーズエピソード I – ファントム・メナス』に高精細デジタルカメラで撮影した映像を組み込むことで、映画制作媒体であるフィルムの優位性に初めて挑戦しました。 2013 年後半、パラマウントは、35mm フィルムを完全に廃止し、デジタル形式で映画を劇場に配給した最初の大手スタジオとなりました。それ以来、35mm ではなくデジタルフォーマットで映画を開発する需要が大幅に増加しました。

デジタルテクノロジーが向上するにつれて、映画スタジオはデジタル映画撮影にますます移行し始めました。 2010 年代以降、デジタルシネマトグラフィーはフィルム映画撮影法に大きく取って代わり、映画撮影法の主流の形式になりました。

pritasutiyem’s diary