映画撮影パート 8
アスペクト比とフレーミング
画像のアスペクト比は、画像の幅と高さの比率です。 これは、4:3 などの 2 つの整数の比率として、または 1.33:1 または単に 1.33 などの 10 進形式で表すことができます。 比率が異なると、異なる美的効果が得られます。 アスペクト比の基準は時間の経過とともに大きく変化してきました。
サイレント時代には、アスペクト比は正方形の 1:1 から、極端なワイドスクリーンの 4:1 ポリビジョンまで、幅広く変化していました。 しかし、1910 年代以降、サイレント映画は一般的に 4:3 (1.33) の比率に落ち着きました。 サウンド・オン・フィルムの導入により、サウンド ストライプの余地を与えるためにアスペクト比が一時的に狭まりました。 1932年には、フレームラインを太くすることにより、アカデミー倍率1.37という新しい基準が導入されました。
長年、主流の映画監督はアカデミー比率の使用に限定されていましたが、1950 年代にはシネラマの人気のおかげで、観客を家庭のテレビから劇場に引き戻すためにワイドスクリーン比率が導入されました。 これらの新しいワイドスクリーン形式は、撮影監督に画像を構成するためのより広いフレームを提供しました。
ワイドスクリーン映画を作成するために、1950 年代にさまざまな独自の写真システムが発明され、使用されましたが、フィルムの 1 つが支配的でした。それは、画像を光学的に圧縮して水平領域の 2 倍を標準の「球面」レンズと同じ垂直サイズに撮影するアナモフィック プロセスです。 最初に一般的に使用されたアナモフィック フォーマットはシネマスコープで、元々は 2.55 でしたが、2.35 のアスペクト比を使用しました。 CinemaScope は 1953 年から 1967 年まで使用されましたが、設計上の技術的な欠陥と Fox による所有権のため、1950 年代の Panavision の技術改良に率いられたいくつかのサードパーティ企業がアナモフィック シネ レンズ市場を独占しました。 SMPTE 投影規格の変更により、1970 年に投影比が 2.35 から 2.39 に変更されましたが、写真アナモルフィック規格に関しては何も変わりませんでした。 アナモルフィック 35 mm 写真のアスペクト比に関するすべての変更は、光学システムではなく、カメラまたはプロジェクターのゲート サイズに固有です。 1950 年代の「ワイドスクリーン戦争」の後、映画業界は米国と英国の劇場上映の標準として 1.85 に落ち着きました。 これは 1.37 のトリミングされたバージョンです。 ヨーロッパとアジアは当初 1.66 を選択しましたが、ここ数十年でこれらの市場には 1.85 がほぼ浸透しました。 特定の「壮大な」映画やアドベンチャー映画では、アナモルフィック 2.39 (誤って「2.40」と表記されることがよくあります) が使用されていました。
1990 年代、高解像度ビデオの出現により、従来のブラウン管テレビを製造するのは現実的ではなかったため、テレビ技術者は劇場標準の 1.85 とテレビの 1.33 の間の数学的妥協点として 1.78 (16:9) の比率を作成しました。 幅は1.85です。 その変更が行われるまで、1.78 で生み出されたものは何もありませんでした。 現在、これは高解像度ビデオとワイドスクリーン テレビの標準となっています。
点灯
フィルムのフレームまたはデジタル ターゲット (CCD など) 上に画像露光を作成するには、光が必要です。 しかし、映画撮影のための照明の技術は、基本的な露出をはるかに超えて、視覚的なストーリーテリングの本質にまで及びます。 照明は、映画を観ている観客の感情的な反応に大きく貢献します。 フィルターの使用量が増えると、最終的な画像に大きな影響を与え、照明に影響を与える可能性があります。
映画における照明の重要性 映画における照明は、視認性、構成、雰囲気という 3 つの主な理由から不可欠です。 まず、照明によって被写体やシーンが適切に照らされ、視聴者が細部を認識して物語を理解できるようになります。 視聴者の注意をフレーム内の特定の要素に誘導し、重要なキャラクターやオブジェクトを強調表示するのに役立ちます。 次に、照明はショットの構成に影響します。 映画製作者は、フレーム内にバランス、奥行き、視覚的な興味を生み出すために、ライトを戦略的に配置します。 これにより、シーン内の視覚要素を制御して、特定の領域を強調し、他の領域を強調しないようにすることができます。 最後に、照明は映画の雰囲気と雰囲気に大きな影響を与えます。 光の強さ、色、方向を操作することで、映画制作者はさまざまな感情を呼び起こし、物語を強化することができます。 明るく均一な照明は安全感や幸福感を呼び起こす可能性がありますが、影のある控えめな照明は緊張、謎、恐怖を引き起こす可能性があります。 照明スタイルの選択は、フィルム ノワールで一般的に使用されるハイコントラスト照明など、映画のジャンルを反映することもあります。
照明技術
映画製作では、望ましい効果を達成するために数多くの照明技術が使用されています。 一般的に使用されるテクニックをいくつか紹介します。 3 点ライティング: この古典的なテクニックには、キー ライト、フィル ライト、バックライトの 3 つのライトが使用されます。 キーライトは主要な光源として機能し、被写体を片側から照らして奥行きと立体感を生み出します。 補助光はキーライトによって生じる影を軽減し、全体の照明を柔らかくします。 バックライトは被写体を背景から分離し、ハロー効果をもたらし、奥行き感を高めます。 ハイキー ライティング: ハイキー ライティングは明るく均一に照明されたシーンを生成し、コメディや軽快な映画でよく使用されます。 影を最小限に抑え、明るく明るい雰囲気を作り出します。 ローキー ライティング: ローキー ライティングでは、単一のキー ライトまたは戦略的に配置されたいくつかのライトを使用して、強いコントラストと深い影を作成します。 この手法は、フィルム ノワールやホラーのジャンルで、サスペンス、ミステリー、または恐怖を呼び起こすためによく使用されます。
自然光:
映画制作者は、本物のリアルな外観を作成するために自然光を使用することがあります。 この技術では、追加の人工照明を使用せずに、太陽光や実用的なランプなどの既存の光源を利用します。 自然主義的な美学を目的とした屋外シーンや映画でよく見られます。 カラー照明: カラーライトやジェルを使用すると、シーンの雰囲気や雰囲気を劇的に変えることができます。 異なる色は異なる感情を呼び起こし、ストーリーテリングを強化します。 たとえば、赤やオレンジのような暖かい色調は暖かさや情熱の感覚を生み出す可能性があり、一方、青のような冷たい色調は悲しみや孤独を表現する可能性があります。
